París espera a Natalia Vas

Y en este último post de 2013, me gustaría presentaros a Natalia Vas.

Artista plástica  y diseñadora multidisciplinaria que actualmente recide en Barcelona.

Sus obras se caracterizan por pintar con los dedos, sin utilizar pinceles. La técnica llamada dáctilopintura.

Natalia Vas define de este modo su obra: «Una manera diferente de experimentar el arte, a través de la cual se puede trabajar desde lo más profundo y que ayuda a adquirir una técnica novedosa y muy sensitiva. Es posible expresar en un lienzo toda la creatividad y el máximo de la potencial de cada uno».

En la serie «Fragmentos»  la artista desea reflejar aquellos pequeños trozos de un alma rota. Los mismos trozos que sirven para reconstruirnos, seguir y luchar en esta vida…

El día 11 de enero de 2014, Natalia Vas va a exponer su excelente trabajo en el evento Pop_Up Paris, cómo artista invitada.

 

LA EXPOSICIÓN ‘ORACLE’ DE ÀLEX DE FLUVIÁ

ÀLEX DE FLUVIÀ – ORACLE

En ésta cuarta exposición en la Galería Balaguer, Àlex de Fluvià explora la esencia de lo que es pintar hoy en día. En una era digital, global y de inmediatez, el artista cree aún en la vigencia de la pintura (como acto de valentía) y en la experiencia de enfrentarse con el lienzo en blanco – la idea del vacío en un mundo demasiado lleno- como esencia del acto creativo y su capacidad de sugerir nuevas perspectivas vivenciales.

Pero también en la renovación constante de la pintura mediante todos los elementos extrapictóricos que le hagan falta para conseguir su objetivo. Es por esto que habla de pintura híbrida o ambigua.

En “Oracle”, de Fluvià plantea una exposición abierta a diferentes interpretaciones, en contraste con la última realizada en la Galería Balaguer, “The Big Picture”.

En sus propias palabras:

“El hecho de titular ésta exposición “Oracle” no es fortuito. Uso el Oráculo como figura poética para interpretar y entender el mundo de hoy con todas sus ramificaciones y realidades.

El Oráculo para los antiguos griegos significaba siempre la verdad inamovible, pero sujeta a múltiples interpretaciones. En un mundo tan voluble como el nuestro, el mensaje del Oráculo podría ser interpretado dependiendo del contexto, del interés político, religioso o financiero que hubiera detrás.

(Por eso, los dos primeros cuadros de la exposición están titulados “Oracle A” y “Oracle B”.)

Por otro lado, el Oráculo podría arrojar luz (respuesta) sobre un mundo confuso, en crisis existencial, sin referentes éticos y estéticos y con baja autoestima.

También se podría referir al futuro y aludir a la esperanza que da lo que no sabemos y puede ser.

Por último, el Oráculo simboliza lo mediterráneo que impregna mi obra en su esencia.”

LA PRIMERA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DE ALEJANDRA ATARÉS EN ART NOU

EL MES DE SEPTIEMBRE EMPIEZA CON MUCHO ARTE.

ABE – ASOCIACIÓN DE GALERÍAS DE ARTE CONTEMPORÁNEO, PARA MI ES LA INICIACIÓN DE LA TEMPORADA DE LAS EXPOSICIONES EN BARCELONA. BAJO EL NOMBRE DE ART NOU, DESDE HACE YA 2 AÑOS, LAS GALERÍAS DE BARCELONA IMPULSAN A LOS JÓVENES ARTISTAS A EXPONER SUS OBRAS EN DIFERENTES GALERÍAS DE RENOMBRE. DAR A CONOCER SUS CREACIONES E INTORDUCIRLES AL PÚBLICO MÁS AMPLIO Y PROFESIONAL.

LA PRIMERA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DE ALEJANDRA ATARÉS EN LA GALERÍA BALAGUER (BARCELONA), ES UN CLARO EJEMPO DEL ÉXITO DE ESTA INICIATIVA.

‘LICENCIADA EN BELLAS ARTES POR LA UNIVERSITAT DE BARCELONA, Y CON ESTUDIOS SUPERIORES EN LA UNIVERSITY OF THE WEST OF ENGLAND (BRISTOL) Y EN EL MASSACHUSETTS COLLEGE OF ART AND DESIGN (BOSTON).

¿QUIÉN NOS DA LA ESPALDA? MAYORMENTE MUJERES, ESPALDAS FEMENINAS CUYO TORSO INDICA CORAJE PESE A UN HORIZONTE INCIERTO.

RECUERDAN A LAS HEROÍNAS CON PODERES, COMO SI LA PINTURA FUERA EL MEDIO ESCOGIDO PARA DESTACAR SUS PROPIEDADES MÁGICAS, HIPNOTIZANTES, Y ES QUE EL GÉNERO DE FANTASÍA COMIENZA A INUNDAR LA OBRAS MÁS RECIENTES DE ATARÉS, PALPÁNDOSE EN LOS TEJIDOS BRILLANTES QUE RESALTAN EL LADO MÁS MATÉRICO (Y MATERIAL) DE LA PINTURA. PESE A ESTAR LATENTE EN LOS INICIOS DE SU OBRA, ESE INTENTO DE HUIDA HACIA PAISAJES PROTOTÍPICAMENTE EXÓTICOS (E INTENCIONADAMENTE RESALTANDO SUS CLICHÉS)  HAN IDO COQUETEANDO CON EL PROTAGONISMO DE LA FIGURA, HIBRIDÁNDOSE, MEZCLÁNDOSE CON ELLA HASTA FORMAR UN PATCHWORK DE COLOR E INTENSIDAD QUE RESALTA UNA BÚSQUEDA PROGRESIVA DE CONTRASTES Y EXPLOSIÓN PLÁSTICA.

EN UNA SOCIEDAD EN LA QUE LOS BRILLANTES REMITEN A UNA CUESTIÓN DE CLASE, ATARÉS DESNUDA DE SIGNIFICADO LAS JERARQUÍAS ENTRE MATERIALES, HACIENDO DE TODO COLLAGE UNA JOYA, USANDO DE FORMA LÚDICA Y ATENTA MATERIALES QUE VAN DEL ÓLEO AL PLÁSTICO INDUSTRIAL. EN EL TELÓN DE FONDO SENTIMOS UNA EVOCACIÓN A LA FASCINACIÓN NOSTÁLGICA DE LA OBRA DE ARTISTAS COMO JOAQUIM MIR, ANGLADA CAMARASSA, (AQUELLOS FONDOS MARINOS DE UNA LUZ ELECTRIZANTE), O LOS LLAMEANTES VESTIDOS DE CASAS, DONDE EL DETALLE MÁS MÍNIMO DEVIENE UN TESORO.

LO BARROCO HACE SU APARICIÓN, PERO A SU VEZ, UNTADO DE LAS FRAGANCIAS DE LAS NUEVAS DIVAS COMO RIHANNA, KATY PERRY Y DEMÁS ICONOS DEL POP/KITSCH ACTUAL. PERO SI MIRAMOS POR EL RABILLO DEL OJO, ENTRE LAS TUPIDAS CAPAS DE PINTURA (BORDADOS MINUCIOSOS) QUE NO DESCARTAN UNA GRAN VARIEDAD DE COLLAGES PLÁSTICOS, VEREMOS QUE TRAS CADA PERSONAJE SE ENCUENTRA CASI SIEMPRE UN HORIZONTE, EN EL QUE NO TENEMOS UNA RESPUESTA CLARA. TRAS LA ACTITUD DESAFIANTE A VECES INTUIMOS INCERTIDUMBRE, PERO AFRONTADA CON VITALISMO Y FUERZA.

Y ES QUE LA PINTURA DE ALEJANDRA ATARÉS NO ENTIENDE DE TIMIDEZ NI DE RECATO.

ANTE SUS “RETRATOS”, NOS SENTIMOS ACTIVOS, NOS ENTRAN GANAS DE ROZAR, ACARICIAR Y ACERCARNOS A SUS FIGURAS, EN UN JUEGO DIALÉCTICO DONDE LAS DISTANCIAS ENTRE EL ESPECTADOR  Y LA OBRA JUEGAN A ENTRELAZARSE.

LA OBRA DE ATARÉS JUEGA DESDE EL DESCARO A PLANTEAR UN REVERSO: NO ES LA PINTURA QUIEN NOS DA LA ESPALDA SINO SUS ENIGMAS, QUE HEMOS DE ACERCARNOS PARA ENCONTRAR.

LA MIRADA QUE NUNCA DESVELAREMOS, LOS ROSTROS (SEGURAMENTE AUTORRETRATOS DE LA PROPIA ARTISTA) QUE ESCONDEN SU ACTITUD, PERO QUE, A MODO DE ESPEJO, SE REFLEJAN EN LOS PAISAJES DE MARAVILLA (DE CUENTO) QUE, COMO ESPECTADORES, CONTEMPLAMOS’.

TEXTO: MERCEDES MANGRANÉ

Vídeo: Raffaella leonardi

Fotos: Tata & Mari Ataneli

El proyecto ‘Cara a Cara’ de Anet Duncan y Gabriele Fettolini

» Pintar hoy es un acto de resistencia que satisface una necesidad generalizada y puede crear esperanza «.        

John Berger

CARA A CARA 

El mes pasado en la Casa Elizalde (Barcelona) se inauguró una de las mejores exposiciones llamadas ‘Cara a Cara’ de 2 artistas mundialmente reconocidas y un proyecto conjunto, Anet Duncan (Sur Africa-Francia)  y Gabriele Fettolini (Suiza) .

Este proyecto es Cara a Cara entre dos artistas con orígenes geográficos lejanos pero residentes en Barcelona desde hace años. Dos lenguajes pictóricos aparentemente afines que buscan dialogar entre si.

Lejos de la confrontación fácil, la intención es mas bien aquella de generar preguntas más que respuestas, dudas más que verdades. Anhelo común por generar un espacio contemplativo frente al estéril sentimiento de desamparo en que la situación global actual nos tiene sometidos diariamente.

Para los amantes de arte y la gente que simplemente no pudo asistir a esa maravillosa exposición, os ofrecemos el reportaje fotográfico completo.

¡Que lo disfrutéis!

 

el proyecto ‘distancias cortas’ de Xavier Gómez

”El retrato, un género aparentemente tan modesto, requiere una enorme inteligencia. […] Cuando veo un buen retrato, intuyo lo que le ha costado al artista, primero ver lo que hay ahí y luego adivinar lo que está oculto. […] Un buen retrato siempre me parece como una biografía dramatizada, o más bien como el drama natural que habita dentro de cada ser humano”.

(Charles Baudelaire , 1859)

DISTANCIAS CORTAS – Xavier Gómez 

El Proyecto Distancias Cortas empezó de forma casual a principios de 2011, con el retrato que tuve el privilegio de realizar a una persona que para mi siempre a sido un referente cultural de nuestra ciudad, Carles Taché, luego tuve el honor y privilegio de poder retratar a otras grandes personas y amigos a los que admiro mucho Vicenç Boned, Fernando Peracho, Manel Úbeda, Nuria Gras, Marcelo Aurelio, Alberto García-Alix, Jack Davidson, Nati……, y así sucesivamente una larga lista que suma a día de hoy mas de 250 retratos que forman parte de un proyecto vital que solo dejara de existir el día que yo falte, todos y cada uno de ellos/as forman parte, de un periodo esencial de mi existencia, como solía decir mi madre muy a menudo “Dime con quien andas y te diré quien eres”, pues bien todos y cada uno de ellos forman parte del autorretrato de mi mirada, de mi vida sin mi…., quien no me conozca podrá saber a quien tuve el privilegio de conocer, con que y con quien disfrutaba, lo que un día tuve el privilegio de ver y sentir. Como suele decir Fernando Peracho, sin pretenderlo estoy retratando una parte de nuestra generación, personas que forman parte de un periodo vital y cultural de nuestra breve existencia, un cruce de caminos donde nuestros destinos se cruzan para separarse después. Como solía decir Robert Rauschenberg, un recorrido a través de la delgada línea que separa la vida del arte, la locura de la cordura, el camino que nos traslada al otro lado de la vida.

Xavier Gómez
http://vimeo.com/61340672

El éxito de Manel Esclusa y la exposición ‘Ells Ulls Aturats’ en Georgia.

Pasado día 7 de mayo, en la capital de Georgia, Tbilisi, en Art Center Rubiconi (antigua fábrica de seda en pleno centro de la ciudad) se inauguró la exposición de uno de los mejores fotógrafos catalanes Manel Esclusa ‘Els Ulls Aturats’.

El proyecto es una colaboración entre Kolga Tbilisi Photo,  Art Caucasus association  y  Art Center Rubikoni, comisariado por Jimena Flores_artprojects e yo, Tata Ataneli. Kolga Photo festival, anteriormente conocido cómo Kolga foto concurso en el cual durante varios años participé cómo fotografa, a principios del año 2013 me hizo una propuesta. Dicha propuesta constaba en llevar a Tbilisi una exposición de un fotógrafo español de renombre. Gracias a fantástico trabajo de Jimena Flores me adentré en el mundo de Manel Esclusa. El mundo muy profundo, lleno de misterio, único. El mundo nocturno, totalmente distinto, síntesis de lo antiguo con lo moderno. Un mundo que te abduce enseguida, te hace participe de la esencia de totalidad y  de cada momento representado en su fotografía.

Tata Ataneli – Cómo comisaria de la exposición, me gustaría decir que es un gran honor representar artistas cómo Manel Esclusa. Georgia es un mercado emergente y sumamente interesante, dónde el interés y el amor hacia el Arte siempre ha existido. Desde hace muchos años, la capital Tbilisi, se ha convertido en el espacio cultural, dónde anualmente se celebran diferentes Expos, ferias, festivales, exposiciones  de arte contemporáneo. Es el foco cultural de Cáucaso.

Este año hemos tenido el placer de formar parte de festival Kolga e integrar a España en él. La misión de tataneli.com para los próximos años será, a través del Arte, fortalecer la relación entre Georgia – España y actuar cómo puente entre estos países, ofreciendo intercambio cultural, proyectos, dialogo y promoción de artistas.

Manel Esclusa sobre Els Ulls Aturats – «La serie ‘Els Ulls Aturats’ es una reflexión sobre el simbolismo de la mirada. Una mirada, que se enfrenta a la enfermedad y a la muerte con un futuro lleno de incertidumbre y que paulatinamente se dirige hacia vivencias de un pasado de corta memoria.»

Els Ulls Aturats‘ de Manel Esclusa, es uno de los mejores  proyectos que se haya presentado en Tbilisi. En la exposición fueron presentadas 30 fotografías en blanco y negro hechas en los años 1973 -1978 y un vídeo creado por Manel expresamente para el evento, donde la gente podría visualizar diferentes seríes del fotógrafo.Hemos recibido más de mil visitantes nacionales e internacionales. Los famosos fotógrafos georgianos y extranjeros, los comisarios de arte, los expertos, no paraban de visitar la exposición una y otra vez. Así mismo tuvo mucha resonancia en la TV. Informativos, programas de entretenimiento, programas especializados en arte, en total han sido 6 cadenas de televisión que grabaron el montaje y la inauguración de ‘Els Ulls Aturats’. Y finalmente un programa en directo ‘Magvidzara’.

Por primera vez  la exposición ‘Els Ulls Aturats’ viajará en 4 ciudades mas importantes de Georgia: Telavi, Batumi, Qutaisi, Mestia. La próxima inauguración tendrá el lugar el 12 de junio de 2013 en el teatro Nacional de Telavi. No pierdas la oportunidad. ¡Te esperamos!

A continuación los vídeos y las fotos de la exposición.

Espacio de Art Center Rubikoni – antigua fábrica de seda

Reportaje de Music Box sobre la exposición

En directo en canal Maestro ‘Magvidzara’

Invitadas: Nana Kirmelashvili fundadora de Art Caucasus association y Tata Ataneli

Para ver más videos, visita mi canal de youtube

 

Fotos by Maria Ataneli, Tamara Gonjilashvili, Tata Ataneli

Miguel Andrés, artista sin etiquetas

Miguel Andrés, artista sin etiquetas. Reflexiones sobre él:

 

Carles Monegal – Quiosc Gallery

‘Miguel Andrés, el performer:

Le conocí en una terraza de bar, había visto algunas acciones suyas por internet y quedamos para hablar. Imaginé un tipo grande, fuerte, avasallador.

Ante mi se sentó un hombre menudo, liviano, algo tímido. Pero aposté por él.

Sus performances y acciones parten de su testarudez y sus creaciones la mayoría de las veces entran directamente en la denuncia social, en algunas hay música exquisita y integrada en la acción; me atraparon con rapidez. Su sentido de creación al más puro estilo Gutai, transforma a Miguel Andrés hasta la médula y contagia al espectador que en muchas ocasiones se vuelve su cómplice, su partenaire. Un artista que trabaja con imaginación, metiéndose obsesivamente en cada acción que lleva a cabo. Un artista que a pesar de su juventud, parece nacido para ser performer. Un artista que sorprende en cada acción convirtiendo a ese menudo, liviano y tímido hombre en un gran, fuerte y arrollador comunicador, capaz de transmitir la esencia del concepto que está creando de una manera rotunda, sin concesiones. Atrapando al más incrédulo y convenciendo tanto al escéptico como al erudito.

Miguel Andrés desnuda sus emociones en cada acción, algunas veces con sutilidad y otras con desenfreno (uno se pregunta si sus raíces Valencianas tendrán algo que ver) Cuando estas delante de una de sus creaciones, no hay excusa, lo sientes’.

 

 

 

 

 

 

 

Albert Roda – compositor

‘El arte de Miguel Andrés es el mismo en esencia. En batalla constante por ser libre e independiente, de seguir aprendiendo de el mismo y su entorno y poder transmitir a los demás sus inquietudes y puntos de vista sobre cualquier tema que sea crítico con la sociedad.

Desde escribir e interpretar un monologo a la poesía, performance en directo o la fotografía. Transformarse a si mismo y a su alrededor, bien con sus propias manos o a través de su obra. Experimentar es la base y el camino que ahora, le conduce a la expresión corporal como medio comunicación.
Uno mismo es el lienzo y la herramienta, bien frente al público o la cámara.
Sin duda, hemos visto ya muchas muestras de ello, pero en mi opinión lo mejor está por llegar con proyectos como GAIA o LABEL.
Permanecemos expectantes a la maduración y desarrollo, siempre constante, de Miguel Andrés como artista y persona, puesto que en este caso van inevitablemente unidas de la mano’.

 

 

 

 

 

 

 

 

AJ Llorens – Fotógrafo

‘Directo. Sin tapujos. Inteligente. Meditado y mimado. Íntimo. Cargado de humanidad, de realidad en crudo. ¿Qué iba a hacer?
Me dejé arrastrar a su mundo casi sin parpadear’.

 

 

 

 

 

 

 

 

Miguel sobre Miguel

No concibo el mundo de otra manera que no sea creando, investigando o reflexionando. El arte se convierte de este modo, en el motor de mi vida, en la válvula de escape de mi emoción, personalidad e intelecto.

Son el ser humano y todas sus inherencias los que conforman el eje central de mi obra. Conciencia, comportamiento, personalidad, sexualidad, ego, represiones, miedos, doctrinas y creencias son sólo unas cuantas, porque todo lo que rodea al hombre me fascina y merece la pena ser explorado.

La investigación en primera persona es primordial en mi creación, ya que se entrelaza con lo personal para transformarse en un trabajo de autoconocimiento enriquecedor. Eso es precisamente lo que le pido al arte a cambio: que me enriquezca, sin otra meta que la satisfacción del simple hecho de hacerlo.

Si tuviese que ponerme alguna etiqueta diría que soy performer y artista visual, aunque siempre estoy abierto a explorar nuevos campos.

Vídeos

So·lo /’sōlō/
[Noun] A thing done by one person unaccompanied, in particular.
(plural solos or soli /-li/) a piece of vocal or instrumental music or a dance, or a part or passage in one, for one performer.
[Adjective] For or done by one person alone; unaccompanied.
[Verb] Perform something unaccompanied, in particular.

Two completely different concepts. Two pairs of hands far from each other. Without more defense than themselves, the Pianist and The Onanist are facing loneliness separately. Thus shake hands in the distance to make a SOLO.

http://vimeo.com/26914031

AUTOREVERSE:
Time took him hostage. He was trapped and used as a puppet. But he wanted to escape. Then he realized only way to escape, is not tied to time.

EXPLORERS
Alone in front of the camera, without any shield is only his self-nudity. The artist moves us to EXPLORERS’ world. An imaginary and private world where you can let loose your imagination. He transforms into a self explorer, seeking every gesture, movement, expression. Each wink, light, and shadow.

 

.label. coming soon…

I don’t believe in you but i believe in love, proyecto jugada a 3 bandas

I don’t believe in you but i believe in love es una exposición que aborda el tema de los afectos, las emociones y los deseos del sujeto moderno en la sociedad actual. Esta exposición invita a reflexionar sobre cómo ciertos órdenes institucionales han colonizado lo más íntimo del ser humano, a saber, la capacidad de amar. Son estos – la publicidad, la ciencia, la industria farmacéutica, el mercado – quienes determinan cómo debemos sentir, las formas de funcionar en una relación, cómo preparar nuestros cuerpos para ser sensuales y tener éxito en las relaciones amorosas, las pautas para alcanzar una “buena” sexualidad… lo que tiqqun denomina “la tiranía del buen funcionamiento”. El título es un guiño a la pieza de Tracey Emin, I don’t believe in love but i believe in you. El juego que se establece en la traslación de las palabras, resume el propósito de la exposición: por un lado, llevar a cabo una crítica a las formas de amar en el capitalismo cool y por otro, apelar a la capacidad de emancipación del sujeto, deshaciendo el íntimo lazo entre la esfera emocional y la económica. I don’t believe in you but i believe in love se compone de un conjunto de “piezas-objeto” expuestas en la galería de forma permanente y de una serie de acciones efímeras que se desarrollan durante el período de la exposición.

Artistas: Sarah Minter, Lucia King, Mariokissme & Rafa Marcos (como equipo palomar) Christina Schultz, Pedro Torres, José-Pablo Jofré & Mario Peña y Lillo, Héctor Francesch, Cristian Forte, a ca la pa-ka, Maria Cosmes y Marc Martínez.

Esta exposición forma parte del proyecto “jugada a 3 bandas” en el que participan 20 galerias de Madrid y 7 de Barcelona.

El programa de performances es el siguiente:

-20 de abril: lectura de los poemas de la recopilación usted de José-Pablo Jofré, a cargo del poeta y performer Cristian Forte. Presentación del audio-libro publicado por la editorial Milena Berlín.

-23 de abril: a ca la pa-ka presentan la performance coses que poden passar quan se’t posen papallones a l’esquena. Este colectivo formado por Paco Nogales y Blanka Palamòs i Claramunt investigan qué y cuánto hay de cultural en el amor a partir de los cambios sociales y económicos de la segunda mitad del sigo pasado.

-9 de mayo: Maria Cosmes presenta entre dos, una performance sobre el deseo en el que se requiere de la participación del público.

-18 de mayo: Christina Schultz presenta una performance en ‘Stop motion’ donde presenta el amor desde una perspectiva científica.

-Clausura de la exposición: Marc Martínez presenta lov€, un trabajo que aborda las relaciones amorosas aprendidas, heredadas y establecidas, enfocando especialmente a su modificación y perversión, propiciadas por las nuevas tecnologías y la sociedad de consumo. Lov€ se crea atendiendo al contexto real en el que se desarrolla, a través del diálogo con las personas y obras que cohabitan en la galería.

Miguel Ángel Pascual en Quiosc Gallery

El día 30 de marzo, en Quiosc Gallery se inauguró la exposición de Miguel Ángel Pascual. Por supuesto hemos estado allí, para ofrecerles un reportaje fotográfico del evento.

Sobre el artista:

Miguel Ángel Pascual (Madrid, 1974) ha vivido en diferentes ciudades del mundo, como Madrid, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Buenos Aires, Las Palmas de Gran Canaria, Santa Cruz de Tenerife (donde cursó su licenciatura en Bellas Artes) y Barcelona (donde hizo el post-grado en Pintura) cuidad en la que actualmente reside. Desde el año 2000, permanece como artista residente en el Centre d´Art Contemporani Piramidón combinando esta permanencia con residencias esporádicas en Madrid (2004-2006) y Berlín (2007-2008).

La pintura de este artista se mueve entre lo icónico postmoderno y la técnica tradicional barroca. La estrategia narrativa consiste en poner en confrontación imágenes tomadas desde muy diversas fuentes (como Internet, prensa escrita, fotografías propias…) para generar nuevos sentidos y pintarlas a oscuras, con las luces apagadas, para reforzar el concepto de desorientación producido por la saturación mediática que conforma nuestra memoria y, por lo tanto, nuestra identidad visual. Esas imágenes están situadas en espacios llamados no lugares como aeropuertos, recintos feriales o estaciones de tren de diferentes ciudades. Son espacios de tránsito que funcionan como contenedores iconográficos en los que los diferentes motivos insertados interactúan generando nuevos discursos y sentidos ambiguos. La forma de aplicar la pintura es analítica, reproduciendo píxeles y efectos gráficos e infográficos mezclados con pintura gestual y de vanguardia, como chorretes, soltura en la pincelada, collage… Esto le otorga a la obra una gran riqueza en los métodos de representación y la sitúa dentro del panorama más actual del arte contemporáneo, en el que la pintura mecanismos.

Sobre la obra:

En Quiosc Gallery se presenta Col.leccions: lapsus, una série de trabajos recientes en los que la imagen deja paso al texto. Tomando como escenario la Terminal 1 del Aeropuerto de El Prat, se incorporan a estas pinturas y dibujos titulares de periódico y eslóganes de manifestaciones a modo de rótulos orientativos que el autor ha ido coleccionando en los últimos años. En los primeros se han tachado ciertas letras a modo de olvido o lapsus, con la intención de buscar significados ocultos que remiten a un mundo más abstracto, en algunos casos incluso poético, alejado de la estructura analítica de la información periodística. Esto, unido a los eslóganes, nos muestra que dentro de la representación de la realidad se esconden otras formas de entenderla y que, depende de como se mire, otro mundo es posible.

Sara the Black by Liron Shimoni

Les presento un proyecto muy especial ‘Sara the Black’ de Liron Shimoni, fotografó profesional de Israel, que actualmente reside en la ciudad de Barcelona. Liron Shimoni ha sido ganador de concursos internacionales, tales cómo People Planet -Australia. Colabora con las revistas «GEO», «National Geographic», «Asian Goegraphic», «Days Japan», «Lonely Planet», «Voyage», «Passport magazine» y «Vesti». Ha sido el iniciador del proyecto benéfico «White Shadows» sobre los albinos africanos. La exposición «White Shadows» estará expuesta en Barcelona en 2014.

Sara la Kali – Sara the Black

Cada año, a finales de mayo, miles de representantes de etnia gitana (Roma People) de toda Europa descienden hacía la ciudad francesa de Saintes Maries de la Mer, la capital no oficial de la Camarga en la región de Provenza, con el fin de honrar a su patrón  Sara la Kali – Sara the Black. Además del emocionante ritual religioso que tiene lugar durante el festival de 4 días, la ciudad se llena de los aromas, colores y sabores que representan la cultura antigua de los ‘Roma’.

Durante cientos de años, los gitanos fueron considerados por la iglesia un «pueblo sin religión», pero a finales de la Edad Media los ‘Roma’ habían aceptado el cristianismo eligiendo a Sara the Black cómo su Santa.

La primera referencia histórica a Sara the Black o Sara la Kali en romano, se encuentra en un antiguo texto manuscrito descubierto en 1521 en una biblioteca de la ciudad francesa de Arles, dónde Sarah está identificada como la sirviente de tres Marysand. Este hecho le llevó a los Roma a identificarse con ella y adoptarla como su Santa. En 1448, en la ciudad conocida como Saintes Maries de la Merlos fueron encontrados los restos óseos  que relacionan a las Marías y a Sara the Black. Por esa misma razón, cada año los Roma vuelven a la pintoresca ciudad cómo a un lugar de peregrinaje e inundan la zona para revivir  la aparición de  Sara the Black. Precisamente a las orillas del mar mediterráneo, se puso en marcha uno de los festivales religiosos más emocionantes y coloridos del mundo, en el cual se muestra la cultura antigua de la etnia gitana en todo su esplendor.

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